 Show
ปฏิเสธไม่ได้ว่า ดนตรีและเพลงคลาสสิกคือหนึ่งในรูปแบบการเล่นดนตรีที่ได้รับความนิยมยกย่องกันมานานในระดับสากล เพลงคลาสสิกซึ่งเริ่มก่อตัวแล้วแพร่หลายไปทั่วยุโรปในปลายยุคกลางและต้นเรเนอซ็องส์ แล้วรุ่งเรืองมากในสมัยบาร็อกนั้น มีเสน่ห์ รูปแบบบางอย่างที่ทำให้ผู้ฟังเคลิบเคลิ้ม หลงใหล รู้สึกได้ถึงความอลังการ ทั้งที่เพลงคลาสสิกไม่มีเนื้อร้อง มีเพียงเสียงดนตรีท่วงทำนองเป็นหลัก แต่แท้จริงแล้วผู้ประพันธ์ได้ซุกซ่อนเนื้อร้องไว้ภายในท่วงทำนองเหล่านั้น โดยเฉพาะผลงานระดับโลกของศิลปินหลายท่าน ไม่ว่าจะ Mozart Beethoven Chopin Brahm Tchaikovski ฯลฯ เดิมทีดนตรีคลาสสิกเป็นท่วงทำนองที่เล่นกันอยู่บนท้องถนน ก่อนจะกลายเป็นดนตรีในแวดวงชั้นสูง ผ่านทางการนำเสนอในโรงละครโอเปร่า ละครร้อง และการถือกำเนิดของวงดนตรีออเคสตร้าที่ยิ่งใหญ่อลังการ กระทั่งเมื่อยุโรปเข้าสู่ยุคสมัยแห่งการเปลี่ยนแปลง ไม่ว่าจะเป็นเปลี่ยนแปลงการปกครอง สงครามโลก ผู้คนในโลกตะวันตกโดยเฉพาะยุโรปต้องเผชิญความทุกข์ยากลำบาก แต่นี่เองที่กลายเป็นแรงบันดาลใจให้ศิลปินในหลายประเทศได้แต่งบทเพลงเพื่อสะท้อนสภาพสังคมในยุคสมัยของพวกเขา หรือเพื่อสะท้อนความทุกข์ยากลำบากของผู้คนผ่านบทเพลงที่ไม่มีแม้แต่เนื้อร้องโดยตรง แต่แท้จริงแล้วตัวโน้ตนั่นเองคือบทเพลงของพวกเขา เพลงคลาสสิกจึงโด่งดังและเป็นเสมือนดนตรีประจำชาติในหลายประเทศของยุโรป โดยเฉพาะยุโรปตะวันออกไปโดยปริยาย ดังนั้นผู้ที่จะร่ำเรียนให้ถึงรากของดนตรีนี้ ควรต้องเดินทางไปที่ทวีปยุโรปสักครั้งหนึ่ง โดยเฉพาะที่ออสเตรีย กรุงเวียนนา ถือเป็นศูนย์กลางเลย ทีนี้หลายคนที่เคยดูภาพยนตร์ ซีรีย์ อาจสงสัยว่า แล้วสถานการณ์ของเพลงคลาสสิกในปัจจุบันเป็นอย่างไร ในการประพันธ์ผลงานใหม่ๆออกมาหรือไม่ มากน้อยแค่ไหน ทำไมเราจึงเห็นที่เล่นกันส่วนมากก็ยังยึดกับผลงานเก่าๆของศิลปินรุ่นเก่า แต่อันที่จริงแล้วในช่วงทศวรรษที่ผ่านมา มีนักดนตรีและนักแต่งเพลงคลาสสิกหน้าใหม่ๆขึ้นมามากมายที่พยายามรังสรรค์ผลงานให้ดีและฉีกยิ่งขึ้นจากผลงานเก่าๆ เพื่อสืบทอดแนวดนตรีนี้ไม่ให้สูญหายไป แล้วหนึ่งในช่องทางสำคัญที่ดนตรีคลาสสิกหาทางออกได้ในการนำเสนอให้ผู้ฟังได้ซาบซึ้งในรูปแบบใหม่ๆก็คือ การทำเป็น Composer ประกอบภาพยนตร์ ซีรีย์ หรือกระทั่งเกมส์ ดังนั้นนี่จึงเป็นเวทีให้พวกนักประพันธ์ได้สร้างสรรค์จินตนาการ ที่แม้ว่าจะมากับทางพาณิชย์ แต่ก็ไม่ได้ทอดทิ้งจิตวิญญาณดั้งเดิมไปด้วย ที่สำคัญคือทำให้ผู้ฟังรุ่นใหม่ๆรู้สึกจับต้องได้มากขึ้น เพราะมีเรื่องราวประกอบชัดเจน แม้ว่าดนตรีคลาสสิกจะมีกฎเกณฑ์แบบแผนมากที่สุดก็ตาม ตัวอย่างเช่น ผลงานของ Jame Mcmillian, Steve Reich, John Adams, Higdon, Dutilleux ซึ่งก็ยังมีผลงานกันออกมาเรื่อยๆ บ้างก็ต่อยอดจากผลงานชั้นครูเก่าๆ แล้วยังมี Composer ที่มาทางสายดนตรีประกอบภาพยนตร์โดยเฉพาะ เช่น Hans Zimmer ที่โด่งดังมากจากเพลงประกอบใน The Dark Knight และ Interstellar, Hiroyuki Sawano ถือว่าเป็น Composer ชาวเอเชียที่ชาวยุโรปรู้จักมากที่สุดในเวลานี้และมีผลงานออกมาต่อเนื่องในวงการเกมและอนิเมะ ดังนั้นดนตรีคลาสสิกในยุคปัจจุบันจึงยังไม่ได้หายไปไหน แล้วยิ่งในวงการแพทย์ได้ออกมายืนยันว่า นี่คือบทเพลงประเภทที่สามารถช่วยกระตุ้นคลื่นอัลฟ่า ที่ช่วยฟื้นฟูการทำงานของสมองในเวลานอนหลับ แล้วยังส่งผลต่อสภาพจิตใจ ซ่อมแซมได้มาก หากได้ฟังก่อนนอนแล้ว ก็ทำให้ในวงการแพทย์เริ่มนำมาช่วยบำบัดให้ผู้ป่วยทางจิต หรือโรคนอนไม่หลับ เป็นที่แพร่หลายมากขึ้น และเป็นที่ทางใหม่ให้กับดนตรีคลาสสิกในโลกศตวรรษที่ 21 ดนตรีคลาสสิกเป็นศิลปะดนตรีผลิตหรือหยั่งรากลึกในประเพณีของวัฒนธรรมตะวันตกรวมทั้งพิธีกรรม ( ศาสนา )
และฆราวาสเพลง ในอดีตคำว่า 'ดนตรีคลาสสิก' หมายถึงช่วงดนตรีโดยเฉพาะตั้งแต่ปี 1750 ถึง 1820 (ช่วงคลาสสิก )
ในความหมายทั่วไปดนตรีคลาสสิกหมายถึงประเพณีทางดนตรีของตะวันตกที่ถือว่านอกเหนือจากหรือการปรับแต่งของประเพณีดนตรีพื้นบ้านตะวันตกและครอบคลุมช่วงเวลาที่กว้างขวางตั้งแต่ก่อนคริสต์ศตวรรษที่ 6 จนถึงปัจจุบันซึ่งรวมถึงช่วงเวลาคลาสสิกและช่วงต่างๆ ช่วงเวลาอื่น ๆ
[1]บรรทัดฐานกลางของประเพณีนี้กลายเป็นประมวลกฎหมายระหว่าง 1650 และ 1900 ซึ่งเป็นที่รู้จักกันเป็นระยะเวลาร่วมกันปฏิบัติ คำว่า "ดนตรีคลาสสิก" ไม่ปรากฏจนกระทั่งต้นศตวรรษที่ 19 ในความพยายามที่จะแยกช่วงเวลาจากโยฮันน์เซบาสเตียนบาคไปจนถึงลุดวิกฟานเบโธเฟนเป็นยุคทอง [2]การอ้างอิงถึง "ดนตรีคลาสสิก" ที่เก่าแก่ที่สุดที่บันทึกโดยOxford English Dictionaryเริ่มจากประมาณ พ.ศ. 2372 [1] [3] ดนตรีศิลปะยุโรปมีความแตกต่างอย่างมากจากดนตรีคลาสสิกอื่น ๆ ที่ไม่ใช่ยุโรปและรูปแบบดนตรีที่เป็นที่นิยมโดยระบบสัญกรณ์ของพนักงานซึ่งใช้มาตั้งแต่ประมาณศตวรรษที่ 11 [4] [5] พระสงฆ์คาทอลิกได้ พัฒนารูปแบบแรกของสัญกรณ์ดนตรียุโรปสมัยใหม่เพื่อสร้างมาตรฐานการสวดมนต์ทั่วทั้งคริสตจักรทั่วโลก สัญกรณ์พนักงานตะวันตกจะถูกใช้โดยนักประพันธ์เพลงเพื่อบ่งชี้ไปยังนักแสดงโหมโรงและระยะเวลาสำหรับชิ้นส่วนของเพลง [4]ในทางตรงกันข้ามกับรูปแบบที่นิยมมากที่สุดที่นำเพลง ( strophic ) ฟอร์มหรือแหล่งที่มาของรูปแบบนี้ดนตรีคลาสสิกได้รับการตั้งข้อสังเกตสำหรับการพัฒนาในรูปแบบที่มีความซับซ้อนสูงของดนตรีเช่นซิมโฟนี , ประสานเสียง , ความทรงจำ , โซนาตา , และแกนนำและผสมรูปแบบเช่นโอเปร่า , การร้องประสานเสียงและมวล [6] เส้นเวลาการแบ่งเวลาที่สำคัญของดนตรีศิลปะตะวันตกมีดังนี้:
ลักษณะเฉพาะป.ร. ให้ไว้หลากหลายรูปแบบในดนตรีคลาสสิกยุโรปจากยุคplainchantร้องโดยพระสงฆ์จะคลาสสิกและโรแมนติกซิมโฟนีสำหรับวงดนตรีจากยุค 1700 และปี 1800 ที่จะเปรี้ยวจี๊ดท่วงทำนององค์ประกอบจากปี 1900 มันเป็นเรื่องยากที่จะลักษณะรายการที่สามารถนำมาประกอบกับ งานประเภทนั้นทั้งหมด อย่างไรก็ตามลักษณะสากลของดนตรีคลาสสิกที่เขียนขึ้นตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 13 คือ[8]เครื่องใช้ที่ไม่เปลี่ยนแปลงได้ของระบบสัญกรณ์เชิงบุรุษที่เป็นมาตรฐาน(ซึ่งพัฒนามาเป็นสัญกรณ์แถบสมัยใหม่หลังปี ค.ศ. 1600) สำหรับการประพันธ์ทั้งหมดและประสิทธิภาพที่แม่นยำ [9]อีกประการหนึ่งคือการสร้างและพัฒนาชิ้นงานบรรเลงเดี่ยวที่ซับซ้อน (เช่นfugue ) ซิมโฟนี่ครั้งแรกที่มีการผลิตในช่วงยุคคลาสสิก ; เริ่มต้นในกลางศตวรรษที่ 18 วงดนตรีซิมโฟนีและการประพันธ์เพลงกลายเป็นลักษณะเด่นของดนตรีคลาสสิก [10] ความซับซ้อนผลงานของละครคลาสสิกมักจะแสดงความซับซ้อนในการใช้งานของพวกเขาในการประสาน , แตก , ความสามัคคี , การพัฒนาดนตรี , จังหวะ , ถ้อยคำ , พื้นผิวและรูปแบบ ในขณะที่รูปแบบที่นิยมส่วนใหญ่มักจะเขียนในรูปแบบเพลงดนตรีคลาสสิกตั้งข้อสังเกตสำหรับการพัฒนาของความซับซ้อนสูงรูปแบบดนตรีบรรเลง[6]เช่นประสานเสียง , ซิมโฟนีและโซนาตา ดนตรีคลาสสิกยังตั้งข้อสังเกตสำหรับการใช้งานที่มีความซับซ้อนของแกนนำ / รูปแบบการใช้เครื่องมือเช่นโอเปร่า [ ต้องการอ้างอิง ]ในโอเปร่านักร้องเดี่ยวและนักร้องประสานเสียงแสดงผลงานละครที่จัดฉากโดยมีวงออร์เคสตรามาประกอบ งานบรรเลงที่ยาวกว่ามักแบ่งออกเป็นชิ้นส่วนที่มีอยู่ในตัวเองเรียกว่าการเคลื่อนไหวซึ่งมักมีตัวอักษรหรืออารมณ์ที่ตัดกัน ตัวอย่างเช่นซิมโฟนีที่เขียนขึ้นในช่วงคลาสสิกมักจะแบ่งออกเป็นสี่อิริยาบถ:
การเคลื่อนไหวเหล่านี้นั้นจะสามารถแบ่งออกเป็นลำดับชั้นของหน่วยงานที่มีขนาดเล็ก: ครั้งแรกส่วนแล้วงวดและในที่สุดก็วลี ประสิทธิภาพวงดุริยางค์เยาวชนในการแสดง นักแสดงที่ศึกษาดนตรีคลาสสิกอย่างกว้างขวางกล่าวกันว่า "ได้รับการฝึกฝนอย่างคลาสสิก" การฝึกอบรมนี้อาจมาจากบทเรียนส่วนตัวจากครูสอนเครื่องดนตรีหรือเสียงหรือจากการสำเร็จหลักสูตรอย่างเป็นทางการที่เปิดสอนโดย Conservatory วิทยาลัยหรือมหาวิทยาลัยเช่นปริญญาตรีสาขาดนตรีหรือปริญญาโทสาขาดนตรี (ซึ่งรวมถึงบทเรียนของอาจารย์เป็นรายบุคคล) ในดนตรีคลาสสิกต้องมี "... การศึกษาและการฝึกอบรมด้านดนตรีอย่างเป็นทางการโดยมากมักจะถึงระดับสูงกว่าปริญญาตรี [ปริญญาโท]" เป็นสิ่งจำเป็น [11] การแสดงดนตรีคลาสสิกต้องใช้ความสามารถในการอ่านค่าสายตาและการเล่นแบบวงดนตรีหลักการฮาร์มอนิกการฝึกหูที่แข็งแรง(เพื่อแก้ไขและปรับระดับเสียงโดยใช้หู) ความรู้เกี่ยวกับการฝึกฝนการแสดง (เช่นการตกแต่งสไตล์บาร็อค) และความคุ้นเคยกับรูปแบบ / สำนวนดนตรีที่คาดหวังสำหรับนักแต่งเพลงหรืองานดนตรีที่กำหนด (เช่นซิมโฟนีบราห์มส์หรือโมสาร์ทคอนแชร์โต) [ ต้องการอ้างอิง ] ลักษณะสำคัญของดนตรีคลาสสิกยุโรปที่แตกต่างจากเพลงยอดนิยม , ดนตรีพื้นบ้านและอื่น ๆ ประเพณีดนตรีคลาสสิกเช่นดนตรีคลาสสิกอินเดียเป็นที่ละครมีแนวโน้มที่จะเขียนลงในโน้ตดนตรี , การสร้างส่วนดนตรีหรือคะแนน [12]โดยทั่วไปแล้วคะแนนนี้จะกำหนดรายละเอียดของจังหวะการขว้างและในกรณีที่นักดนตรีสองคนขึ้นไป (ไม่ว่าจะเป็นนักร้องหรือนักบรรเลง) มีส่วนเกี่ยวข้องกันอย่างไร คุณภาพเป็นลายลักษณ์อักษรของเพลงได้เปิดใช้งานในระดับสูงของความซับซ้อนภายในพวกเขา: fuguesเช่นบรรลุการแต่งงานที่โดดเด่นของเส้นเสียงอันไพเราะที่โดดเด่นอย่างกล้าหาญในการทอผ้าแตกยังสร้างความเชื่อมโยงกันตรรกะฮาร์โมนิ [13]การใช้สัญกรณ์เป็นลายลักษณ์อักษรยังรักษาบันทึกของผลงานและช่วยให้นักดนตรีคลาสสิกสามารถแสดงดนตรีจากหลายศตวรรษที่ผ่านมา แม้ว่าดนตรีคลาสสิกในยุค 2000 จะสูญเสียประเพณีการแสดงดนตรีไปแล้วส่วนใหญ่ตั้งแต่ยุคบาโรกไปจนถึงยุคโรแมนติก แต่ก็มีตัวอย่างของนักแสดงที่สามารถแสดงท่าทางตามสไตล์ในยุคของพวกเขาได้ ในยุคบาร็อคนักแสดงอวัยวะจะโพล่งแปร่งปร่านักแสดงเล่นคีย์บอร์ดเปียโนจะโพล่งคอร์ดจากเบสคิดสัญลักษณ์ใต้บันทึกเสียงเบสของส่วนเบส continuo และทั้งสองแกนนำและนักแสดงที่จะโพล่งเครื่องประดับดนตรี [14] โยฮันน์เซบาสเตียนบาคเป็นที่สังเกตโดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับการแสดงละครที่ซับซ้อน [15]ในช่วงยุคคลาสสิก, นักแต่งเพลงนักดนตรี- โวล์ฟกังอะมาเดอุสโมซาร์ทก็สังเกตเห็นว่าเขาสามารถที่จะท่วงทำนองกลอนสดในรูปแบบที่แตกต่างกัน [16]ในช่วงยุคคลาสสิกนักร้องเดี่ยวอัจฉริยะบางคนจะด้นสดส่วนcadenzaของคอนแชร์โต ในช่วงยุคโรแมนติกลุดวิกฟานเบโธเฟนจะเล่นเปียโน [17] การใช้เครื่องดนตรีและการเปล่งเสียงเครื่องดนตรีที่ใช้ในดนตรีคลาสสิกส่วนใหญ่ถูกประดิษฐ์ขึ้นก่อนกลางศตวรรษที่ 19 (มักจะเร็วกว่านั้นมาก) และจัดระบบในศตวรรษที่ 18 และ 19 ประกอบด้วยเครื่องดนตรีที่พบในวงออเคสตราหรือในวงดนตรีร่วมกับเครื่องดนตรีเดี่ยวอื่น ๆ อีกหลายชนิด (เช่นเปียโนฮาร์ปซิคอร์ดและออร์แกน ) วงซิมโฟนีรวมถึงสมาชิกของสตริง , woodwind , ทองเหลืองและกระทบครอบครัวของเครื่องมือ วงดนตรีประกอบด้วยสมาชิกของครอบครัวเครื่องเป่าลมทองเหลืองและเครื่องเคาะ โดยทั่วไปจะมีเครื่องลมไม้และเครื่องทองเหลืองที่หลากหลายและมีจำนวนมากกว่าวงออร์เคสตรา แต่ไม่มีส่วนเครื่องสาย อย่างไรก็ตามวงดนตรีหลายคนใช้ดับเบิลเบส แนวทางการเปล่งเสียงเปลี่ยนไปในช่วงคลาสสิกจากบทสวดเกรกอเรียนโมโนโฟนิกแบบบรรทัดเดียวที่ทำโดยพระสงฆ์ในยุคกลางไปจนถึงงานประสานเสียงโพลีโฟนิกที่ซับซ้อนในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและช่วงเวลาต่อ ๆ มาซึ่งใช้ท่วงทำนองการร้องอิสระหลายเพลงในเวลาเดียวกัน ประวัติศาสตร์สัญกรณ์ดนตรีจากMissalภาษาอังกฤษในช่วงต้นศตวรรษที่ 14 ซึ่งมีพระเศียรของพระคริสต์ พระสงฆ์คาทอลิกได้พัฒนาสัญกรณ์ดนตรียุโรปสมัยใหม่รูปแบบแรกเพื่อให้การสวดเป็นมาตรฐานทั่วทั้งคริสตจักรทั่วโลก [18] การแบ่งเวลาที่สำคัญของดนตรีคลาสสิกถึงปี 1900 คือช่วงดนตรียุคแรกซึ่งรวมถึงยุคกลาง (500–1400) และยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (1400–1600) และช่วงการปฏิบัติทั่วไปซึ่งรวมถึงยุคบาโรก (1600–1750), คลาสสิก (ค.ศ. 1750–1820) และยุคโรแมนติก (1810–1910) ช่วงเวลาปัจจุบันครอบคลุมถึงศตวรรษที่ 20และศตวรรษที่ 21 จนถึงปัจจุบันและรวมถึงยุคดนตรีสมัยใหม่และยุคดนตรีร่วมสมัยหรือหลังสมัยใหม่ซึ่งมักจะมีการโต้แย้งกัน วันที่เป็นลักษณะทั่วไปเนื่องจากช่วงเวลาและยุคที่ทับซ้อนกันและหมวดหมู่ต่างๆค่อนข้างเป็นไปตามอำเภอใจจนถึงจุดที่หน่วยงานบางแห่งกลับคำศัพท์และอ้างถึง "ยุค" ที่ใช้กันโดยทั่วไปซึ่งประกอบด้วย "ช่วงเวลา" แบบพิสดารคลาสสิกและโรแมนติก [19]ตัวอย่างเช่นการใช้ความแตกต่างและfugueซึ่งถือเป็นลักษณะของยุคบาโรก (หรือช่วงเวลา) ยังคงดำเนินต่อไปโดยHaydnซึ่งถูกจัดว่าเป็นแบบฉบับของยุคคลาสสิก เบโธเฟนซึ่งมักถูกอธิบายว่าเป็นผู้ก่อตั้งยุคโรแมนติกและบราห์มส์ซึ่งจัดอยู่ในประเภทโรแมนติกยังใช้ความแตกต่างและความรู้สึก แต่ความโรแมนติกและบางครั้งก็โหยหาในดนตรีของพวกเขากำหนดยุคของพวกเขา คำนำหน้านีโอใช้เพื่ออธิบายองค์ประกอบของศตวรรษที่ 19, 20 หรือ 21 ที่เขียนในรูปแบบของยุคก่อนหน้าเช่นคลาสสิกหรือโรแมนติก ตัวอย่างเช่นPulcinellaของ Stravinsky เป็นองค์ประกอบแบบนีโอคลาสสิกเนื่องจากมีลักษณะคล้ายกับงานในยุคบาโรก [ ต้องการคำชี้แจง ] รากBurgh (2006) ชี้ให้เห็นว่ารากเหง้าของดนตรีคลาสสิกตะวันตกในที่สุดก็มาจากดนตรีศิลปะอียิปต์โบราณผ่านทางcheironomyและวงออเคสตราของอียิปต์โบราณซึ่งมีอายุถึง 2695 ปีก่อนคริสตกาล [20]การพัฒนาของเสียงของแต่ละบุคคลและเครื่องชั่งน้ำหนักที่ถูกสร้างขึ้นโดยชาวกรีกโบราณเช่นAristoxenusและพีทาโกรัส [21] Pythagoras สร้างการปรับแต่งระบบและช่วยในการประมวลโน้ตดนตรี เครื่องดนตรีกรีกโบราณเช่นaulos ( เครื่องดนตรีกก ) และพิณ (เครื่องสายที่คล้ายกับพิณขนาดเล็ก) ในที่สุดก็นำไปสู่เครื่องดนตรีสมัยใหม่หลายชนิดของวงออเคสตราคลาสสิก [[[Wikipedia:Citing_sources|page needed]]="this_citation_requires_a_reference_to_the_specific_page_or_range_of_pages_in_which_the_material_appears. (august_2019)">]_22-0" class="reference">[22]ก่อนหน้าถึงยุคแรกคือยุคของดนตรีโบราณก่อนการล่มสลายของอาณาจักรโรมัน (ค.ศ. 476) ช่วงต้นยุคกลางนักดนตรีเล่น vielle ( ต้นฉบับของยุคกลางใน ศตวรรษที่สิบสี่ ) ยุคกลางรวมถึงดนตรีตั้งแต่หลังการล่มสลายของกรุงโรมจนถึงประมาณ ค.ศ. 1400 บทสวดแบบโมโนโฟนิกเรียกอีกอย่างว่าเพลนซองหรือเกรกอเรียนสวดมนต์เป็นรูปแบบที่โดดเด่นจนถึงประมาณ ค.ศ. 1100 [23]พระสงฆ์คาทอลิกได้พัฒนารูปแบบแรกของสัญกรณ์ดนตรียุโรปสมัยใหม่เพื่อที่จะ จัดพิธีสวดให้เป็นมาตรฐานทั่วทั้งคริสตจักรทั่วโลก [18] [24] [25] Polyphonic (หลายเสียง) ที่พัฒนามาจากเพลงสวดมนต์เหมือนตลอดช่วงปลายยุคกลางและเข้าไปในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยารวมทั้ง voicings ที่ซับซ้อนมากขึ้นของmotets Johannes Ockeghemข้อความที่ตัดตอนมาจาก Kyrie "Au travail suis" จำนวนคลาสสิกยุโรปเครื่องดนตรีจะมีรากในตราสารภาคตะวันออกที่ถูกนำมาใช้จากยุคโลกอิสลาม [26]ตัวอย่างเช่นภาษาอาหรับรือบับเป็นบรรพบุรุษของทุกยุโรปโค้งคำนับเครื่องสายรวมทั้งลีร่า , rebecและไวโอลิน [27] [28] เครื่องดนตรีหลายชนิดที่ใช้แสดงดนตรีในยุคกลางยังคงมีอยู่ แต่ในรูปแบบที่แตกต่างกัน เครื่องมือที่ใช้ในยุคกลางรวมถึงขลุ่ยที่บันทึกและดึงเครื่องสายเช่นพิณ เช่นเดียวกับรุ่นแรก ๆ ของอวัยวะและซอ (หรือVielle ) มีอยู่ เครื่องดนตรีในยุคกลางในยุโรปส่วนใหญ่มักใช้เดี่ยว ๆ มักจะมาพร้อมกับเสียงหึ่งๆหรือบางครั้งเป็นบางส่วน ตั้งแต่อย่างน้อยในช่วงต้นศตวรรษที่ 13 ถึงศตวรรษที่ 15 มีการแบ่งเครื่องดนตรีออกเป็นhaut (เสียงดังโหยหวนเครื่องดนตรีกลางแจ้ง) และเบส (เครื่องดนตรีที่เงียบกว่าและใกล้ชิดกว่า) [29]ในช่วงยุคกลางก่อนหน้านี้เสียงดนตรีจากประเภทliturgicalเพลงเกรกอเรียนส่วนใหญ่เป็นแบบโมโนโฟนิกโดยใช้สายทำนองเพลงเดี่ยว [30] ประเภทเสียงโพลีโฟนิกซึ่งใช้ท่วงทำนองการร้องที่เป็นอิสระหลาย ๆ เสียงเริ่มพัฒนาในช่วงยุคกลางสูงเริ่มแพร่หลายในช่วงศตวรรษที่ 13 และต้นศตวรรษที่ 14 ต่อมา คีตกวียุคเด่น ได้แก่Hildegard ของ Bingen , กิลโลมเดอแมชาต์ , Leonin , เพโรติน , ฟิลิปป์เดอ Vitry , ฟรานเชส Landiniและโยฮันเนโคเนีย ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาจาก 1400 1600 มันก็มีลักษณะการใช้งานที่มากขึ้นของวัดหลายผสมผสานเส้นไพเราะและการใช้ครั้งแรกเครื่องดนตรีเบส การเต้นรำทางสังคมแพร่หลายมากขึ้นรูปแบบดนตรีที่เหมาะสมกับการเต้นรำจึงเริ่มได้มาตรฐาน ในเวลานี้เองที่สัญกรณ์ดนตรีเกี่ยวกับไม้เท้าและองค์ประกอบอื่น ๆ ของสัญกรณ์ดนตรีเริ่มเป็นรูปเป็นร่าง [31]สิ่งประดิษฐ์นี้ทำให้สามารถแยกองค์ประกอบของดนตรีออกจากการถ่ายทอด ; โดยไม่ต้องเขียนเพลงการถ่ายทอดเป็นปากเปล่าและอาจมีการเปลี่ยนแปลงทุกครั้งที่มีการถ่ายทอด ด้วยโน้ตเพลงสามารถแสดงผลงานเพลงได้โดยไม่ต้องมีนักแต่งเพลง [23]การประดิษฐ์แท่นพิมพ์แบบเคลื่อนย้ายได้ในศตวรรษที่ 15 มีผลกระทบอย่างกว้างขวางต่อการเก็บรักษาและการถ่ายทอดเพลง [32] การเปิดไฟส่องสว่างจาก ชิจิ Codexเนื้อเรื่อง Kyrieของ Ockeghem 's มิสสะ Ecce Ancilla Domini เครื่องดนตรีหลายชนิดเกิดขึ้นในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา อื่น ๆ เป็นรูปแบบหรือการปรับปรุงเครื่องมือที่มีอยู่ก่อนหน้านี้ บางคนมีชีวิตรอดมาจนถึงปัจจุบัน คนอื่น ๆ ได้หายไปเพียง แต่จะถูกสร้างขึ้นใหม่เพื่อแสดงดนตรีในเครื่องดนตรียุคสมัย เช่นเดียวกับในสมัยปัจจุบันเครื่องดนตรีอาจถูกจัดประเภทเป็นทองเหลืองเครื่องสายเครื่องเคาะและเครื่องเป่าลม ตราสารทองเหลืองในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการเล่นแบบดั้งเดิมโดยมืออาชีพที่เป็นสมาชิกของกิลด์และพวกเขารวมทรัมเป็ตสไลด์ , ไม้ทองเหลือง , valveless ทรัมเป็ตและsackbut เครื่องสายรวมถึงซอที่rebec , พิณเหมือนพิณที่เครื่องดนตรีที่มีรูปร่างคล้ายกีต้าร์ที่พิณที่กีต้าร์ที่citternที่bandoraและorpharion แป้นพิมพ์ตราสารที่มีสตริงรวมทั้งเปียโนและclavichord เครื่องมือกระทบรวมถึงสามเหลี่ยมที่เพี้ยที่กลองระฆังที่ดังก้องหม้อและชนิดของกลอง เครื่องเป่าลมไม้รวม double-กกshawm (สมาชิกแรกของปี่ครอบครัว) ที่ท่อกกที่ปี่ที่ขลุ่ยขวางการบันทึกที่dulcianและcrumhorn อวัยวะที่เรียบง่ายมีอยู่ แต่ส่วนใหญ่ถูกคุมขังในคริสตจักรแม้ว่าจะมีพันธุ์แบบพกพา [33] การพิมพ์เปิดใช้งานการกำหนดมาตรฐานของคำอธิบายและข้อกำหนดของเครื่องมือตลอดจนคำแนะนำในการใช้งาน [34] ดนตรีที่เปล่งออกมาในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้รับการกล่าวขานถึงความเฟื่องฟูของรูปแบบโพลีโฟนิกที่ซับซ้อนมากขึ้น รูปแบบพิธีกรรมหลักที่คงอยู่ตลอดช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือมวลชนและ motets โดยมีพัฒนาการอื่น ๆ ในตอนท้ายโดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อนักประพันธ์เพลงศักดิ์สิทธิ์เริ่มนำรูปแบบทางโลก (เช่นมาดริกัล ) มาใช้ในการออกแบบของตนเอง ในช่วงสุดท้ายของรอบระยะเวลาที่สารตั้งต้นอย่างมากในช่วงต้นของตะวันตกเช่น monody ที่ตลกบทกวีและIntermedioจะเห็น ประมาณปี 1597 Jacopo Periนักแต่งเพลงชาวอิตาลีเขียนDafneซึ่งเป็นผลงานชิ้นแรกที่เรียกว่าโอเปร่าในปัจจุบัน เขายังแต่งเพลงEuridiceซึ่งเป็นโอเปร่าเรื่องแรกที่มีชีวิตรอดมาจนถึงปัจจุบัน เด่นนักประพันธ์เพลงที่เรเนซองส์รวมถึงจอสคินเดสเพร ซ , Giovanni Pierluigi da Palestrina , จอห์นดันสตเปิล , โยฮันเน Ockeghem , ออร์แลนด์เดอแลสซุ ส , กีโยม Du นางฟ้า , Gilles Binchois , โทมัลลิส , วิลเลียมเบิร์ด , จิโอวานนี่กาบ , คาร์โล Gesualdo , จอห์น Dowland , จาค็อบ Obrecht , เอเดรียน Willaert , ฌาค Arcadeltและซิปริอาโนเดอเรอร์ ช่วงเวลาปฏิบัติทั่วไประยะเวลาปฏิบัติทั่วไปมักจะถูกกำหนดให้เป็นยุคระหว่างการสร้างและการสลายตัวของร่วมกันปฏิบัติโทน คำนี้มักมีระยะเวลาประมาณสองศตวรรษครึ่งโดยครอบคลุมช่วงยุคบาโรกคลาสสิกและยุคโรแมนติก พิสดารเครื่องดนตรีบาร็อค ได้แก่ เฮอร์ดี้ - กระด้าง , ฮา ร์ปซิคอร์ด , ไวโอลินเบส , พิณ , ไวโอลินและ กีตาร์บาร็อค ดนตรีบาร็อคมีลักษณะเฉพาะด้วยการใช้ความแตกต่างของวรรณยุกต์ที่ซับซ้อนและการใช้Basso Continuoซึ่งเป็นสายเบสที่ต่อเนื่องกัน ดนตรีมีความซับซ้อนมากขึ้นเมื่อเทียบกับเพลงง่ายๆในยุคก่อนหน้านี้ทั้งหมด [35]จุดเริ่มต้นของโซนาตาเอารูปในcanzonaเช่นเดียวกับความคิดที่เป็นทางการมากขึ้นของรูปแบบและรูปแบบ วรรณยุกต์ของเสียงหลักและเสียงรองในการจัดการความไม่สอดคล้องกันและความแตกต่างของสีในดนตรีมีรูปร่างสมบูรณ์ [36] ในช่วงยุคบาโรกดนตรีคีย์บอร์ดที่เล่นบนฮาร์ปซิคอร์ดและไปป์ออร์แกนได้รับความนิยมมากขึ้นเรื่อย ๆ และตระกูลไวโอลินของเครื่องสายก็มีรูปแบบที่เห็นได้ทั่วไปในปัจจุบัน โอเปร่าเป็นละครเพลงที่จัดฉากเริ่มแตกต่างจากรูปแบบดนตรีและละครก่อนหน้านี้และรูปแบบเสียงร้องเช่นแคนตาตาและออราโทริโอกลายเป็นเรื่องปกติมากขึ้น [37]นักร้องเป็นครั้งแรกเริ่มเพิ่มโน้ตพิเศษให้กับดนตรี [35] ทฤษฎีเกี่ยวกับอารมณ์ที่เท่าเทียมกันเริ่มถูกนำไปใช้ในทางปฏิบัติที่กว้างขึ้นโดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อมันเปิดใช้งานความเป็นไปได้ของสีที่กว้างขึ้นในเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดที่ปรับแต่งได้ยาก แม้ว่าJS Bachจะไม่ได้ใช้อารมณ์ที่เท่าเทียมกัน แต่โดยทั่วไปแล้วเปียโนสมัยใหม่จะได้รับการปรับแต่งการเปลี่ยนแปลงในอารมณ์จากระบบที่มีความหมายซึ่งพบได้บ่อยในเวลานั้นไปจนถึงอารมณ์ต่างๆที่ทำให้การปรับระหว่างคีย์ทั้งหมดเป็นที่ยอมรับทางดนตรีทำให้Clavierอารมณ์ดีของเขาเป็นไปได้. [38] เครื่องดนตรีประเภทบาร็อครวมถึงเครื่องดนตรีบางชนิดจากยุคก่อนหน้า (เช่นเครื่องอัดเสียงและเครื่องบันทึก) และเครื่องดนตรีใหม่ ๆ จำนวนหนึ่ง (เช่นโอโบบาสซูนเชลโลเครื่องบันทึกเสียงและฟอร์เตเปียโน) เครื่องดนตรีบางชิ้นจากยุคก่อนถูกเลิกใช้เช่นผ้าคลุมไหล่ซิตเทิร์นแร็กเกตและคอร์เน็ตที่ทำด้วยไม้ เครื่องมือที่ใช้ในบาร็อคที่สำคัญสำหรับสตริงรวมทั้งไวโอลิน , ซอ , ไวโอลิน , วิโอลาดามูร์ , ไวโอลิน , เบส , กีตาร์ , theorbo (ซึ่งมักจะเล่นเบส continuoส่วน), แมนโดลิน , กีต้าร์บาร็อค , พิณและเครื่องดนตรีที่มีรูปร่างคล้ายกีต้าร์ Woodwinds รวมถึงขลุ่ยบาร็อค , ปี่โอโบบาร็อค , บันทึกและปี่ ตราสารทองเหลืองรวมถึงคอร์เน็ต , ฮอร์นธรรมชาติ , ทรัมเป็ตธรรมชาติ , งูและทรอมโบน คีย์บอร์ดเครื่องดนตรีรวมclavichordที่เปียโนสัมผัสที่เปียโนที่ท่ออวัยวะและต่อมาในช่วงเวลาที่ฟอร์เต (รุ่นแรกของเปียโน) เครื่องมือเครื่องเคาะรวมกลอง , กลอง , กลองและฉิ่ง ความแตกต่างที่สำคัญอย่างหนึ่งระหว่างดนตรีบาร็อคกับยุคคลาสสิกที่ตามมาคือประเภทของเครื่องดนตรีที่ใช้ในวงดนตรีบาร็อคนั้นมีมาตรฐานน้อยกว่ามาก วงดนตรีบาร็อคอาจรวมถึงเครื่องดนตรีประเภทคีย์บอร์ดหลายชนิด (เช่นไปป์ออร์แกนหรือฮาร์ปซิคอร์ด) [39]เครื่องสายเพิ่มเติม (เช่นพิณ) เครื่องสายโค้งคำนับเครื่องเป่าไม้และเครื่องทองเหลืองและจำนวนที่ไม่ระบุ เครื่องดนตรีเบสที่แสดงเบสโซต่อเนื่อง (เช่นเชลโล, สัตว์ประหลาด, วิโอลา, บาสซูน, พญานาค ฯลฯ ) การพัฒนาแกนนำในยุคบาร็อครวมถึงการพัฒนาของโอเปร่าประเภทเช่นโอเปร่า seriaและOpéra comiqueและรูปแบบที่เกี่ยวข้องเช่นoratoriosและcantatas [40] [41] นักแต่งเพลงคนสำคัญในยุคนี้ ได้แก่Johann Sebastian Bach , Antonio Vivaldi , George Frideric Handel , Henry Purcell , Claudio Monteverdi , Barbara Strozzi , Domenico Scarlatti , Georg Philipp Telemann , Arcangelo Corelli , Alessandro Scarlatti , Jean-Philippe Rameau , Jean-Baptiste Lullyและเฮ็นSchütz คลาสสิกJoseph Haydn (1732–1809) แสดงโดย Thomas Hardy (1791) แม้ว่าคำว่า "ดนตรีคลาสสิก" จะรวมถึงดนตรีศิลปะตะวันตกทั้งหมดตั้งแต่ยุคกลางถึงยุค 2000 แต่ยุคคลาสสิกเป็นช่วงเวลาของดนตรีศิลปะตะวันตกตั้งแต่ปี 1750 ถึงต้นปี 1820 ซึ่งเป็นยุคของWolfgang Amadeus Mozart , Joseph HaydnและLudwig ฟานเบโทเฟ ยุคคลาสสิกได้กำหนดบรรทัดฐานของการจัดองค์ประกอบการนำเสนอและรูปแบบไว้มากมายและยังเป็นช่วงที่เปียโนกลายเป็นเครื่องดนตรีประเภทคีย์บอร์ดที่โดดเด่น พื้นฐานกองกำลังที่จำเป็นสำหรับวงออเคสตรากลายเป็นมาตรฐานค่อนข้าง (แม้ว่าพวกเขาจะเติบโตเป็นศักยภาพของ array กว้างของเครื่องมือที่ถูกพัฒนาขึ้นในศตวรรษต่อไปนี้) ห้องดนตรีเพิ่มขึ้นเพื่อรวมตระการตาได้มากถึง 8 ถึง 10 นักแสดงสำหรับserenades Operaยังคงพัฒนาอย่างต่อเนื่องโดยมีรูปแบบภูมิภาคในอิตาลีฝรั่งเศสและดินแดนที่พูดภาษาเยอรมัน Buffa โอเปร่าในรูปแบบของการ์ตูนทีวีที่เพิ่มขึ้นในความนิยม ซิมโฟนีมาเป็นของตนเองเป็นรูปแบบดนตรีและประสานเสียงได้รับการพัฒนาเป็นยานพาหนะสำหรับการแสดงผลของสกิลเล่นเก่ง วงออเคสตราไม่จำเป็นต้องใช้ฮาร์ปซิคอร์ดอีกต่อไป(ซึ่งเคยเป็นส่วนหนึ่งของการต่อเนื่องแบบดั้งเดิมในสไตล์บาร็อค) และมักจะนำโดยนักไวโอลินนำ (ปัจจุบันเรียกว่าconcertmaster ) [42] นักดนตรีในยุคคลาสสิกยังคงใช้เครื่องดนตรีหลายชนิดจากยุคบาโรกเช่นเชลโลเครื่องบันทึกเสียงทรอมโบนรำมะนาฟอร์เปียโน (ปูชนียบุคคลของเปียโนสมัยใหม่) และออร์แกน ในขณะที่เครื่องดนตรีบาร็อคบางชนิดถูกเลิกใช้ (เช่น theorbo และ rackett) เครื่องดนตรีบาร็อคจำนวนมากได้เปลี่ยนไปเป็นเวอร์ชันที่ยังคงใช้อยู่ในปัจจุบันเช่นไวโอลินบาร็อค (ซึ่งกลายเป็นไวโอลิน ) บาร็อคโอโบ (ซึ่งกลายเป็นoboe ) และทรัมเป็ตแบบบาร็อคซึ่งเปลี่ยนไปใช้ทรัมเป็ตวาล์วธรรมดา ในช่วงยุคคลาสสิกเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายที่ใช้ในวงออร์เคสตราและดนตรีเชมเบอร์เช่นวงเครื่องสายได้รับการกำหนดมาตรฐานให้เป็นเครื่องดนตรีสี่ชนิดที่ประกอบกันเป็นวงเครื่องสายของวงออเคสตราได้แก่ ไวโอลินวิโอลาเชลโลและดับเบิลเบส เครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายยุคบาโรกเช่นเฟต, ไวโอลินโค้งคำนับถูกยุติลง Woodwinds รวมปี่ไพศาล , ฮอร์นไพศาล , clarinette d'Amour , คลาสสิกปี่ที่chalumeauขลุ่ยปี่และปี่ คีย์บอร์ดเครื่องดนตรีรวมclavichordและเปียโน ในขณะที่ฮาร์ปซิคอร์ดยังคงใช้ในการประกอบเบสโซต่อเนื่องในช่วงทศวรรษที่ 1750 และ 1760 แต่ก็ไม่ได้ใช้งานในช่วงปลายศตวรรษ ตราสารทองเหลืองรวมbuccinที่ophicleide (แทนเบสงูซึ่งเป็นสารตั้งต้นของทูบา ) และฮอร์นธรรมชาติ เครื่องมือลมได้รับการขัดเกลามากขึ้นในยุคคลาสสิก ในขณะที่เครื่องดนตรีประเภทDouble-reedเช่นปี่โอโบและบาสซูนกลายเป็นมาตรฐานไปบ้างในบาร็อค แต่ตระกูลคลาริเน็ตของกกเดี่ยวก็ไม่ได้ใช้กันอย่างแพร่หลายจนกระทั่งโมซาร์ทขยายบทบาทในการตั้งค่าออเคสตร้าห้องและคอนแชร์โต [43] นักประพันธ์เพลงที่สำคัญของช่วงเวลานี้รวมถึงโวล์ฟกังอะมาเดอุสโมซาร์ท , ลุดวิกฟานเบโธเฟน , โจเซฟไฮเดิน , คริสโต Willibald กลุค , โยฮันน์คริสเตียนบาค , Luigi Boccherini , คาร์ลฟิลิปป์มานูเอลบาค , Muzio Clementi , อันโตนิโอ Salieriและโยฮันน์ Nepomuk ฮัมเมล โรแมนติกดนตรีในยุคโรแมนติกตั้งแต่ประมาณทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19 ถึงต้นศตวรรษที่ 20 มีลักษณะเฉพาะด้วยความสนใจที่เพิ่มขึ้นไปยังแนวความไพเราะที่ขยายออกไปตลอดจนองค์ประกอบที่แสดงออกและอารมณ์ความรู้สึกแนวโรแมนติกที่ขนานกันในรูปแบบศิลปะอื่น ๆ รูปแบบดนตรีเริ่มที่จะทำลายจากรูปแบบยุคคลาสสิก (แม้จะเป็นผู้ที่ถูกทำเป็น) กับชิ้นฟรีฟอร์มเช่นNocturnes , fantasiasและแปร่งปร่าถูกเขียนความคิดที่ได้รับการยอมรับเกี่ยวกับการแสดงออกและการพัฒนาในรูปแบบที่ถูกละเลยหรือลดลง [44]ดนตรีกลายเป็นสีไม่ลงรอยกันและมีสีสันมากขึ้นด้วยความตึงเครียด (เกี่ยวกับบรรทัดฐานที่ยอมรับในรูปแบบที่เก่ากว่า) เกี่ยวกับลายเซ็นที่สำคัญที่เพิ่มขึ้น [45]เพลงศิลปะ (หรือโกหก ) เข้ามาจนครบกำหนดในยุคนี้เช่นเดียวกับเครื่องชั่งมหากาพย์ของแกรนด์โอเปร่า , transcended ในท้ายที่สุดโดยริชาร์ดวากเนอร์ 's แหวนวง [46] ในศตวรรษที่ 19 สถาบันดนตรีเกิดขึ้นจากการควบคุมของผู้อุปถัมภ์ที่ร่ำรวยเนื่องจากนักแต่งเพลงและนักดนตรีสามารถสร้างชีวิตที่เป็นอิสระจากคนชั้นสูง ความสนใจในดนตรีมากขึ้นโดยชนชั้นกลางที่เติบโตขึ้นทั่วยุโรปตะวันตกกระตุ้นให้เกิดการสร้างองค์กรเพื่อการสอนการแสดงและการอนุรักษ์ดนตรี เปียโนซึ่งประสบความสำเร็จในการก่อสร้างที่ทันสมัยในยุคนี้ (ส่วนหนึ่งเป็นผลมาจากความก้าวหน้าทางอุตสาหกรรมในด้านโลหะวิทยา ) ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในหมู่ชนชั้นกลางซึ่งความต้องการเครื่องดนตรีนี้กระตุ้นให้ผู้สร้างเปียโนจำนวนมากได้รับความนิยม วงดนตรีซิมโฟนีออเคสตราจำนวนมากเริ่มก่อตั้งในยุคนี้ [45]นักดนตรีและนักแต่งเพลงบางคนเป็นดาวเด่นประจำวัน; บางคนเช่นFranz LisztและNiccolò Paganiniทำหน้าที่ทั้งสองอย่างสมบูรณ์แบบ [47] ความคิดและสถาบันทางวัฒนธรรมของยุโรปเริ่มติดตามการขยายอาณานิคมไปสู่ส่วนอื่น ๆ ของโลก นอกจากนี้ยังมีการเพิ่มขึ้นโดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงปลายยุคของความเป็นชาตินิยมในดนตรี (ในบางกรณีสะท้อนให้เห็นถึงความรู้สึกทางการเมืองในเวลานั้น) เช่นเดียวกับนักแต่งเพลงเช่นEdvard Grieg , Nikolai Rimsky-KorsakovและAntonín Dvo ecákสะท้อนดนตรีดั้งเดิม บ้านเกิดของพวกเขาในองค์ประกอบของพวกเขา [48] วงดุริยางค์ฟีลฮาร์โมนิกแห่งดับลิน ในยุคโรแมนติกเปียโนสมัยใหม่ที่มีน้ำเสียงที่ทรงพลังและยั่งยืนกว่าและช่วงกว้างขึ้นมาจากป้อมเปียโนที่ให้เสียงที่ละเอียดอ่อนมากขึ้น ในวงออร์เคสตราเครื่องดนตรีคลาสสิกและท่อนต่างๆที่มีอยู่ยังคงอยู่ ( ส่วนเครื่องสายเครื่องลมไม้ทองเหลืองและเครื่องเคาะ) แต่โดยทั่วไปแล้วส่วนเหล่านี้จะขยายออกเพื่อให้ได้เสียงที่เต็มอิ่มและใหญ่ขึ้น ตัวอย่างเช่นในขณะที่วงออเคสตราบาร็อคอาจมีผู้เล่นดับเบิลเบสสองคน แต่วงดนตรีโรแมนติกออเคสตราอาจมีได้มากถึงสิบคน "เมื่อดนตรีมีการแสดงออกมากขึ้นจานเพลงออเคสตรามาตรฐานก็ยังไม่สมบูรณ์พอสำหรับนักแต่งเพลงแนวโรแมนติกหลายคน" [49] ตระกูลของเครื่องดนตรีที่ใช้โดยเฉพาะอย่างยิ่งในวงออเคสตรามีขนาดใหญ่ขึ้น กระบวนการที่ถึงจุดสุดยอดในต้นศตวรรษที่ 20 โดยมีวงออเคสตราขนาดใหญ่ที่ใช้โดยนักประพันธ์เพลงแนวโรแมนติกและสมัยใหม่ในช่วงปลาย เครื่องเคาะจังหวะที่กว้างขึ้นเริ่มปรากฏขึ้น เครื่องทองเหลืองเข้ามามีบทบาทมากขึ้นเนื่องจากการเปิดตัววาล์วแบบหมุนทำให้สามารถเล่นโน้ตได้หลากหลายขึ้น ขนาดของวงออเคสตรา (โดยทั่วไปประมาณ 40 ในยุคคลาสสิก) เพิ่มขึ้นจนเกิน 100 [45] ซิมโฟนีหมายเลข 8 ในปี 1906 ของกุสตาฟมาห์เลอร์มีการแสดงโดยมีนักบรรเลงมากกว่า 150 คนและนักร้องประสานเสียงมากกว่า 400 คน[ 50]ใหม่ woodwind เครื่องมือถูกเพิ่มเช่นcontrabassoon , เบสคลาริเน็ตและขลุ่ยและเครื่องมือเครื่องเคาะใหม่เพิ่มรวมทั้งลูกระนาด , กลอง , celestas (ระฆังเหมือนแป้นพิมพ์ตราสาร), ระฆังและสามเหลี่ยม , [49]ขนาดใหญ่วงดนตรี พิณและแม้กระทั่งลมเครื่องสำหรับผลกระทบเสียง แซ็กโซโฟนปรากฏในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 เป็นต้นมาโดยปกติจะเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวมากกว่าในส่วนหนึ่งของวงออเคสตรา ทูบาวากเนอร์เป็นสมาชิกคนหนึ่งของครอบครัวของการปรับเปลี่ยนฮอร์นที่ปรากฏในริชาร์ดวากเนอร์ 's วงจรDer Ring des Nibelungen นอกจากนี้ยังมีบทบาทสำคัญในAnton Brucknerของซิมโฟนีหมายเลข 7 ใน E สาขาและยังใช้ในหลายช่วงปลายสมัยโรแมนติกและผลงานของริชาร์ดสเตราส์เบลาบาร์ต็อกและอื่น ๆ[51] Cornets ปรากฏเป็นประจำในคะแนนศตวรรษที่ 19 ข้าง ทรัมเป็ตซึ่งถือได้ว่ามีความคล่องตัวน้อยกว่าอย่างน้อยก็จนถึงสิ้นศตวรรษ นักประพันธ์เพลงที่โดดเด่นของยุคนี้ ได้แก่ปีเตอร์อิลิชไชคอฟ สกี , Frederic Chopin , Hector Berlioz , ฟรานซ์ชูเบิร์ต , โรเบิร์ตแมนน์ , เฟลิกซ์ Mendelssohn , Franz Liszt , Giuseppe Verdi , ริชาร์ดวากเนอร์ , ฮันเนสบราห์มส์ , Edvard Griegและโยฮันน์สเตราส์ครั้งที่สอง กุสตาฟมาห์เลอร์และริชาร์ดสเตราส์มักได้รับการยกย่องว่าเป็นนักแต่งเพลงเฉพาะกาลซึ่งดนตรีผสมผสานทั้งองค์ประกอบแนวโรแมนติกตอนปลายและสมัยใหม่ ศตวรรษที่ 20 และ 21โมเดิร์นนิสต์Igor Stravinskyโดย Pablo Picassoผู้ทำงานร่วมกันใน Pulcinella (1920) ครอบคลุมความหลากหลายของการโพสต์โรแมนติกสไตล์สมัยใหม่ดนตรีคลาสสิกรวมถึงช่วงปลายโรแมนติก, อิมเพรส, ศิลปะ, และรูปแบบนีโอคลาสสิขององค์ประกอบ สมัยใหม่เป็นยุคที่คีตกวีหลายคนปฏิเสธค่านิยมบางประการของช่วงเวลาที่ปฏิบัติร่วมกันเช่นโทนเสียงแบบดั้งเดิมท่วงทำนองเครื่องมือวัดและโครงสร้าง นักประวัติศาสตร์ดนตรีบางคนมองว่าดนตรีสมัยใหม่เป็นยุคที่ขยายออกไปจากประมาณ พ.ศ. 2433 ถึง 2473 [52]คนอื่น ๆ คิดว่าลัทธิสมัยใหม่จบลงด้วยสงครามโลกครั้งที่หนึ่งหรืออีกสองครั้ง [53] [ การอ้างอิงสั้น ๆ ไม่สมบูรณ์ ]หน่วยงานอื่น ๆ ยังอ้างว่าสมัยนิยมไม่เกี่ยวข้องกับยุคประวัติศาสตร์ใด ๆ แต่เป็น " ทัศนคติของนักแต่งเพลงสิ่งก่อสร้างที่มีชีวิตที่สามารถพัฒนาไปตามกาลเวลา" [54] [ อ้างอิงสั้นไม่สมบูรณ์ ]แม้จะลดลงในไตรมาสที่สามสุดท้ายของศตวรรษที่ 20 ยังคงมีในตอนท้ายของศตวรรษที่แกนที่ใช้งานของนักประพันธ์เพลงที่ยังคงความก้าวหน้าของความคิดและรูปแบบของสมัยเช่นปิแอร์เลซ , พอลลีน ลิเบ , โทรุ Takemitsu , จอร์จเบนจามิน , จาค็อบ Druckman , ไบรอัน Ferneyhough , จอร์จ Perle , โวล์ฟกังริห์ , ริชาร์ด Wernick , ริชาร์ดวิลสันและราล์ฟเชเปีย์ [55] การเคลื่อนไหวทางดนตรีสองแบบที่โดดเด่นในช่วงเวลานี้คืออิมเพรสชั่นนิสต์ที่เริ่มต้นในปี พ.ศ. 2433 และผู้แสดงออกที่เริ่มต้นในปี พ.ศ. 2451 เป็นช่วงเวลาของปฏิกิริยาที่หลากหลายในการท้าทายและตีความดนตรีประเภทเก่า ๆ ใหม่นวัตกรรมที่นำไปสู่วิธีใหม่ในการจัดระเบียบและการเข้าหาฮาร์มอนิก ความไพเราะเสียงและจังหวะของดนตรีและการเปลี่ยนแปลงมุมมองทางสุนทรียะที่สัมพันธ์กับช่วงเวลาที่ใหญ่กว่าที่ระบุได้ของสมัยใหม่ในศิลปะในยุคนั้น คำผ่าตัดที่เกี่ยวข้องกับคำนี้มากที่สุดคือ "นวัตกรรม" [56]ลักษณะเด่นของมันคือ "ความหลากหลายทางภาษา" ซึ่งก็คือการบอกว่าไม่มีแนวเพลงใดที่จะถือว่าเป็นตำแหน่งที่โดดเด่น [57] วงออเคสตรายังคงเติบโตอย่างต่อเนื่องในช่วงปีแรก ๆ ของยุคสมัยใหม่ซึ่งมีจุดสูงสุดในช่วงสองทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 แซ็กโซโฟนที่ไม่ค่อยปรากฏในช่วงศตวรรษที่ 19 มักถูกนำมาใช้เป็นเครื่องดนตรีเสริมมากขึ้น แต่ไม่เคยกลายเป็นสมาชิกหลักของวงออเคสตรา ขณะที่ปรากฏเป็นเพียงเครื่องมือเดี่ยวที่โดดเด่นในการทำงานบางอย่างเช่นMaurice Ravel 'ประสานของMussorgsky ค่อนข้าง ' s รูปภาพที่นิทรรศการและSergei Rachmaninoff 's ไพเราะเต้นรำแซ็กโซโฟนจะรวมอยู่ในผลงานอื่น ๆ เช่นSergei Prokofievของโรมิโอและ Juliet Suites 1 และ 2และผลงานอื่น ๆ อีกมากมายในฐานะสมาชิกวงดนตรีออเคสตรา ในการแต่งเพลงบางเพลงเช่นBoléroของ Ravel จะใช้แซ็กโซโฟนสองตัวหรือมากกว่าที่มีขนาดต่างกันเพื่อสร้างทั้งส่วนเช่นเดียวกับส่วนอื่น ๆ ของวงออเคสตรา ยูโฟเนียมเป็นจุดเด่นในไม่กี่ปลายโรแมนติกและศตวรรษที่ 20ผลงานมักจะเล่นส่วนเครื่องหมาย "เทเนอร์ทูบา" รวมทั้งกุสตาฟโฮลส์ 's ดาวเคราะห์และริชาร์ดสเตราส์ ' s Ein Heldenleben นักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ได้แก่Igor Stravinsky , Claude Debussy , Sergei Rachmaninoff , Sergei Prokofiev , Arnold Schoenberg , Heitor Villa-Lobos , Anton Webern , Alban Berg , Cécile Chaminade , Paul Hindemith , Aram Khachaturian , George Gershwin , Amy Beach , Béla BartókและDmitri Shostakovichพร้อมด้วย Mahler และ Strauss คนดังกล่าวเป็นบุคคลในช่วงเปลี่ยนผ่านที่สืบทอดมาจากศตวรรษที่ 19 หลังสมัยใหม่ / ร่วมสมัยดนตรีโพสต์โมเดิร์นเป็นช่วงเวลาของดนตรีที่เริ่มขึ้นเร็วที่สุดเท่าที่ 1930 ตามข้อมูลของหน่วยงานบางแห่ง [58] [59]มันหุ้นมีลักษณะคล้ายคลึงกับศิลปะหลังสมัยใหม่ - นั่นคือศิลปะที่มาหลังจากและตอบสนองกับความทันสมัย หน่วยงานอื่นบางแห่งมีดนตรีโพสต์โมเดิร์นที่เท่าเทียมกันไม่มากก็น้อยโดย "ดนตรีร่วมสมัย" ที่แต่งขึ้นหลังปี 1930 ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 20 จนถึงต้นศตวรรษที่ 21 [60] [61]การเคลื่อนไหวที่หลากหลายของยุคหลังสมัยใหม่ / ร่วมสมัย ได้แก่ ยุคนีโอโรแมนติกยุคกลางมินิมอลและโพสต์มินิมอล ดนตรีคลาสสิกร่วมสมัยในตอนต้นของศตวรรษที่ 21 มักถูกมองว่ารวมถึงรูปแบบดนตรีหลังปี พ.ศ. 2488 ทั้งหมด [62]รุ่นต่อมาคำนี้หมายถึงดนตรีในปัจจุบันที่เขียนโดยนักแต่งเพลงที่ยังมีชีวิตอยู่ในปัจจุบัน เพลงที่มีชื่อเสียงในช่วงกลางทศวรรษ 1970 ซึ่งรวมถึงดนตรีสมัยใหม่ , โพสต์โมเดิร์น , นีโอโรแมนติกและพหุนิยมในรูปแบบต่างๆ [63] ไทม์ไลน์ของนักแต่งเพลง
ผู้หญิงในดนตรีคลาสสิกมาร์ธา Argerichที่ ศูนย์วัฒนธรรม Kirchner , บัวโนสไอเรส นักแต่งเพลงเกือบทั้งหมดที่ได้รับการอธิบายไว้ในตำราดนตรีเกี่ยวกับดนตรีคลาสสิกและมีการแสดงผลงานอย่างกว้างขวางซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของเพลงคอนเสิร์ตมาตรฐานคือนักแต่งเพลงชายแม้ว่าจะมีนักแต่งเพลงผู้หญิงจำนวนมากตลอดช่วงดนตรีคลาสสิกก็ตาม นักดนตรีมาร์เซียซิตรอนได้ถามว่า "[w] เพลงที่แต่งโดยผู้หญิงนั้นด้อยมาตรฐานเพลง 'คลาสสิก' หรือเปล่า?" [64] Citron "ตรวจสอบแนวปฏิบัติและทัศนคติที่นำไปสู่การกีดกันนักแต่งเพลงหญิงจาก ' หลักการ ' ที่ได้รับจากผลงานดนตรีที่แสดง" เธอให้เหตุผลว่าในยุค 1800 นักแต่งเพลงหญิงมักจะเขียนเพลงศิลปะเพื่อการแสดงในการบรรยายเล็ก ๆ แทนที่จะเป็นซิมโฟนีที่มีไว้สำหรับการแสดงร่วมกับวงออเคสตราในห้องโถงขนาดใหญ่โดยผลงานในยุคหลังถูกมองว่าเป็นประเภทที่สำคัญที่สุดสำหรับนักแต่งเพลง เนื่องจากนักแต่งเพลงหญิงไม่ได้เขียนซิมโฟนีมากมายพวกเขาจึงถือว่าไม่โดดเด่นในฐานะนักแต่งเพลง [64]ใน "... กระชับประวัติศาสตร์ฟอร์ดของเพลง , คลาร่า S [C] Humannเป็นหนึ่งในเพียง [ sic ] คีตกวีหญิงกล่าวถึง." [65]สำนักสงฆ์ฟิลิปส์กล่าวว่า "[d] ในช่วงศตวรรษที่ 20 ผู้หญิงที่แต่งเพลง / เล่นละครได้รับความสนใจน้อยกว่าผู้ชายมาก" [65] ในอดีตวงออเคสตรามืออาชีพส่วนใหญ่หรือทั้งหมดประกอบด้วยนักดนตรีที่เป็นผู้ชาย บางส่วนของกรณีที่เก่าแก่ที่สุดของผู้หญิงที่ได้รับการว่าจ้างในออเคสตร้ามืออาชีพอยู่ในตำแหน่งของพิณ เวียนนาซิมโฟนีตัวอย่างเช่นไม่ยอมรับผู้หญิงที่จะเป็นสมาชิกถาวรจนกระทั่งปี 1997 ไกลเกินออเคสตร้าอื่น ๆ การจัดอันดับชั้นนำของโลกห้าแผ่นเสียงในปี 2008 [66]วงใหญ่ครั้งสุดท้ายที่จะแต่งตั้งผู้หญิงคนหนึ่งไปยังตำแหน่งที่ถาวรเบอร์ลินดนตรี [67]ในฐานะที่เป็นช่วงปลายเดือนกุมภาพันธ์ปี 1996 ขลุ่ยหลักเวียนนาซิมโฟนีของDieter FluryบอกWestdeutscher Rundfunkว่าการยอมรับผู้หญิงที่จะเป็น "การเล่นการพนันที่มีความเป็นเอกภาพทางอารมณ์ ( emotionelle Geschlossenheit ) ที่มีชีวิตชนิดนี้ในปัจจุบันมี" [68]ในเดือนเมษายน พ.ศ. 2539 เลขานุการสื่อมวลชนของวงดุริยางค์เขียนว่า "การชดเชยใบที่คาดว่าจะขาด" ของการลาคลอดจะเป็นปัญหา [69] ในปี 1997, เวียนนาซิมโฟนีคือ "หันหน้าไปในระหว่างการประท้วง [US] ทัวร์" โดยองค์การเพื่อสตรีแห่งชาติและนานาชาติพันธมิตรสำหรับสตรีในเพลง ในที่สุด "หลังจากที่ได้รับการเยาะเย้ยที่เพิ่มมากขึ้นแม้ในสังคมออสเตรียที่อนุรักษ์นิยมสมาชิกของวงออเคสตราก็รวมตัวกัน [เมื่อวันที่ 28 กุมภาพันธ์ 1997] ในการประชุมพิเศษในวันก่อนที่พวกเขาจะจากไปและตกลงที่จะยอมรับ Anna Lelkes ผู้หญิงคนหนึ่งเป็นนักเล่นพิณ " [70]ในปี 2013 วงออเคสตรามีสมาชิกหญิงหกคน; หนึ่งในนั้นคือนักไวโอลิน Albena Danailova กลายเป็นหนึ่งในหัวหน้าคอนเสิร์ตของวงออเคสตราในปี 2008 ซึ่งเป็นผู้หญิงคนแรกที่ดำรงตำแหน่งนั้น [71]ในปี 2012 ผู้หญิงยังคงมีสมาชิกวงออเคสตราเพียง 6% Clemens Hellsbergประธาน VPO กล่าวว่าขณะนี้ VPO ใช้การคัดเลือกคนตาบอดที่ผ่านการคัดกรองอย่างสมบูรณ์แล้ว ในปี 2013 บทความในMother Jonesระบุว่าในขณะที่ "[m] วงออเคสตราอันทรงเกียรติใด ๆ มีสมาชิกที่เป็นผู้หญิงอย่างมีนัยสำคัญ - ผู้หญิงมีจำนวนมากกว่าผู้ชายในหมวดไวโอลินของนิวยอร์กฟิลฮาร์โมนิก - และวงดนตรีที่มีชื่อเสียงหลายวงรวมถึงวงดุริยางค์ซิมโฟนีแห่งชาติ , ดีทรอยต์ซิมโฟนีและมินนิโซตาซิมโฟนีนำโดยนักไวโอลินหญิง " ดับเบิลเบสทองเหลืองและเพอร์คัสชั่นของวงออเคสตราวงใหญ่" ... ยังคงเป็นผู้ชายเป็นหลัก " [73]บทความของ BBC ในปี 2014 ระบุว่า "... บทนำของการออดิชั่น" คนตาบอด "ซึ่งผู้ที่คาดว่าจะเป็นผู้เล่นจะแสดงอยู่หลังหน้าจอเพื่อให้คณะกรรมการตัดสินไม่ใช้อคติทางเพศหรือเชื้อชาติได้เห็นความสมดุลทางเพศของผู้ชายแบบดั้งเดิม - วงดนตรีซิมโฟนีออเคสตราที่มีชื่อเสียงจะค่อยๆเปลี่ยนไป " [74] ความสัมพันธ์กับประเพณีดนตรีอื่น ๆเพลงยอดนิยมดนตรีคลาสสิกมักจะรวมเอาองค์ประกอบหรือเนื้อหาจากเพลงยอดนิยมในยุคของนักแต่งเพลง ตัวอย่าง ได้แก่ เพลงเป็นครั้งคราวเช่นบราห์มส์ใช้เพลงดื่มนักเรียนของเขาในทางวิชาการเทศกาลทาบทามประเภทสุดขั้วโดยเคิร์ต Weill 's เพนนีโอเปราและอิทธิพลของดนตรีแจ๊สในช่วงต้นและศตวรรษที่ 20 กลางประพันธ์เพลงรวมทั้งMaurice Ravel , สุดขั้ว การเคลื่อนไหวที่มีชื่อว่า "บลูส์" ในโซนาตาของเขาสำหรับไวโอลินและเปียโน [75]บางหลังสมัยใหม่ , เรียบง่ายและpostminimalistคีตกวีเอกยอมรับหนี้ให้กับเพลงยอดนิยม [76] [การตรวจสอบล้มเหลว ] ตัวอย่างมากมายแสดงให้เห็นถึงอิทธิพลในทิศทางตรงกันข้ามรวมถึงเพลงยอดนิยมที่มีพื้นฐานมาจากดนตรีคลาสสิกการใช้Canon ของ Pachelbelตั้งแต่ปี 1970 และปรากฏการณ์ดนตรีครอสโอเวอร์ซึ่งนักดนตรีคลาสสิกประสบความสำเร็จในเวทีดนตรียอดนิยม [77]ในโลหะหนักจำนวนของมือกีต้าร์นำ (เล่นกีต้าร์ไฟฟ้า ) รวมทั้งริตชี่มอและแรนดี้โรดห์ , [78]รูปแบบสไตล์การเล่นของพวกเขาในบาร็อคคลาสสิกหรือยุคเพลงบรรเลง [79] ดนตรีพื้นบ้านนักแต่งเพลงคลาสสิกมักใช้ดนตรีพื้นบ้าน (ดนตรีที่สร้างโดยนักดนตรีที่มักไม่ได้รับการฝึกฝนแบบคลาสสิกมักมาจากประเพณีปากเปล่าล้วนๆ) บางคนแต่งเหมือนDvořákและSmetana , [80]มีรูปแบบพื้นบ้านที่ใช้จะบอกรสชาติชาตินิยมในการทำงานของพวกเขาในขณะที่คนอื่น ๆ เช่นBartókมีเฉพาะรูปแบบที่ใช้ยกทั้งจากต้นกำเนิดพื้นบ้านเพลงของพวกเขา [81] การค้าดนตรีคลาสสิกบางเพลงมักใช้ในเชิงพาณิชย์ (ทั้งในโฆษณาหรือเพลงประกอบภาพยนตร์) ในโฆษณาทางโทรทัศน์หลายทางได้กลายเป็นclichédโดยเฉพาะอย่างยิ่งการเปิดตัวของริชาร์ดสเตราส์ ' ยัง sprach Zarathustra (ทำให้เป็นที่รู้จักในภาพยนตร์เรื่อง2001: A Space Odyssey ) และมาตราเปิด ' O Fortuna ' ของคาร์ล OrffของCarmina บูรณะ ; ตัวอย่างอื่น ๆ รวมถึง " ตาย Irae " จากแวร์ดี บังสุกุล , Edvard Grieg 's ' ในห้องโถงของภูเขาพระมหากษัตริย์ ' จากPeer Gynt , บาร์เปิดของเบโธเฟน ' s ซิมโฟนีหมายเลข 5 , แว็กเนอร์ของ " ขี่ม้าของ Valkyries "จากDie Walküre , คอร์ชาคอฟของ ' เที่ยวบินของผึ้ง ' และข้อความที่ตัดตอนมาของแอรอน Copland 's Rodeo[ ต้องการอ้างอิง ]ผลงานหลายชิ้นจากยุคทองของแอนิเมชั่นที่จับคู่กับดนตรีคลาสสิก ตัวอย่างที่เด่นเป็นวอลต์ดิสนีย์ 's Fantasia , ทอมและเจอร์รี่ 's โยฮันน์เมาส์และวอร์เนอร์บราเธอร์ส ' กระต่ายเซวิลล์และอะไร Opera, Doc? ในทำนองเดียวกันภาพยนตร์และโทรทัศน์มักจะเปลี่ยนกลับไปใช้ดนตรีคลาสสิกแบบมาตรฐานซึ่งตัดตอนมาจากความคิดโบราณเพื่อสื่อถึงการปรับแต่งหรือความมั่งคั่ง: บางส่วนที่ได้ยินบ่อยที่สุดในหมวดหมู่นี้ ได้แก่Bach 's Cello Suite No. 1 , Eine kleine NachtmusikของMozart , Vivaldi 's Four Seasons , Mussorgsky ' s คืนภูเขาหัวโล้น (ตามที่บงการโดยคอร์ชาคอฟ) และรอสซินี 's " William Tell Overture " Shawn Vancour ให้เหตุผลว่าการจำหน่ายดนตรีคลาสสิกในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 อาจส่งผลเสียต่ออุตสาหกรรมดนตรีด้วยการนำเสนอที่ไม่เพียงพอ [82] การศึกษาในช่วงทศวรรษ 1990 มีงานวิจัยและหนังสือยอดนิยมหลายเล่มเขียนเกี่ยวกับสิ่งที่เรียกว่า " โมสาร์ทเอฟเฟกต์ ": คะแนนที่สูงขึ้นเพียงเล็กน้อยจากการทดสอบบางอย่างซึ่งสังเกตได้จากการฟังผลงานของโมสาร์ท วิธีการนี้ได้รับความนิยมในหนังสือของ Don Campbell และมาจากการทดลองที่ตีพิมพ์ในNature ซึ่งชี้ให้เห็นว่าการฟัง Mozart ช่วยเพิ่มIQของนักเรียนชั่วคราวโดย 8 ถึง 9 คะแนน [83]ทฤษฎีที่เป็นที่นิยมนี้ได้แสดงให้เห็นอย่างรวบรัดโดยAlex Rossคอลัมนิสต์เพลงของNew York Times : "นักวิจัย ... ได้พิจารณาแล้วว่าการฟัง Mozart ทำให้คุณฉลาดขึ้นจริงๆ" [84]ผู้โปรโมตวางตลาดซีดีอ้างว่าก่อให้เกิดผลกระทบ ฟลอริดาผ่านกฎหมายกำหนดให้เด็กวัยเตาะแตะในโรงเรียนของรัฐต้องฟังเพลงคลาสสิกทุกวันและในปี 2541 ผู้ว่าการรัฐจอร์เจียได้งบประมาณ 105,000 ดอลลาร์ต่อปีเพื่อให้เด็กทุกคนที่เกิดในจอร์เจียได้รับเทปหรือซีดีเพลงคลาสสิก หนึ่งในผู้เขียนร่วมของการศึกษาต้นฉบับของผล Mozart แสดงความคิดเห็นว่า "ฉันไม่คิดว่ามันจะเจ็บฉันทุกคนที่เปิดโอกาสให้เด็ก ๆ ได้สัมผัสกับประสบการณ์ทางวัฒนธรรมที่ยอดเยี่ยม แต่ฉันคิดว่าเงินสามารถนำไปใช้กับการศึกษาดนตรีได้ดีกว่าโปรแกรม " [85] ในปีพ. ศ. 2539/97 มีการศึกษาวิจัยเกี่ยวกับประชากรวัยอนุบาลถึงนักศึกษาวิทยาลัยในCherry Creek School Districtในเดนเวอร์รัฐโคโลราโดสหรัฐอเมริกา การศึกษาพบว่านักเรียนที่ตั้งใจฟังดนตรีคลาสสิกก่อนเรียนมีคะแนนการเรียนสูงกว่า การวิจัยเพิ่มเติมระบุว่านักเรียนที่ฟังเพลงก่อนการสอบมีคะแนนผลสัมฤทธิ์ทางการเรียนที่สูงขึ้นเช่นกัน นักเรียนที่ฟังเพลงร็อคแอนด์โรลหรือเพลงคันทรีมีคะแนนต่ำกว่าเล็กน้อย การศึกษาเพิ่มเติมระบุว่านักเรียนที่ใช้ดนตรีคลาสสิกในระหว่างการศึกษามีผลการเรียนก้าวกระโดดอย่างมีนัยสำคัญ ในขณะที่ผู้ที่ฟังเพลงประเภทอื่นมีคะแนนการเรียนลดลงอย่างมีนัยสำคัญ การวิจัยได้ดำเนินการในช่วงหลายโรงเรียนใน Cherry Creek โรงเรียนเทศบาลและได้ดำเนินการผ่านมหาวิทยาลัยโคโลราโด [ ต้องการอ้างอิง ]การศึกษานี้สะท้อนให้เห็นถึงการศึกษาล่าสุดหลายชิ้น (เช่น Mike Manthei และ Steve N. Kelly จาก University of Nebraska ที่ Omaha; Donald A. Hodges และ Debra S. O'Connell [86]แห่งมหาวิทยาลัยนอร์ทแคโรไลนาที่ Greensboro ) และอื่น ๆ [ ต้องการการอ้างอิงแบบเต็ม ] ดูสิ่งนี้ด้วย
เฉพาะประเทศ:
อ้างอิง
แหล่งที่มา
อ่านเพิ่มเติม
ลิงก์ภายนอก |
ข้อ ใด ไม่มี ความ เกี่ยวข้อง กับ เพลง คลาส สิ ก
กระทู้ที่เกี่ยวข้อง
ลิขสิทธิ์ © 2024 th.apacode Inc.
